Términos de cine: 50 términos que todo director debe conocer

En el set el tiempo es poco, así que el equipo usa términos compartidos en lugar de descripciones largas. Di “plano medio corto, ángulo normal, cámara fija” y el equipo sabe qué plano y qué posición de cámara quieres; di “aquí vamos a sacar algo más cerquita” y tres personas arman tres encuadres distintos mientras el día se va en prueba y error. Abajo tienes 50 términos que un director necesita desde el primer día, en seis grupos: las partes de una película, el encuadre, la cámara, la luz y los lentes, la edición, y el sonido y el set.

Las partes de una película

Plano (shot): En la película terminada, el fragmento continuo de imagen entre dos cortes. Durante el rodaje significa una posición de cámara diseñada con un encuadre, un ángulo y un movimiento determinados.
Toma (take): Cada intento grabado del mismo plano. Todo lo que pasa desde que la cámara empieza a rodar hasta que se detiene es una toma; el primer intento es la “toma 1”, así que la primera toma no es una repetición.
Escena: Un fragmento de acción que ocurre en el mismo lugar y en el mismo lapso de tiempo. Si cambia el lugar o el tiempo, cambia la escena.
Secuencia: Un bloque de escenas conectadas que empieza y termina por sí mismo. Una pequeña historia dentro de la película.
Plano maestro (master shot): Un plano que cubre la acción principal de una escena de principio a fin sin interrupción. Suele ser abierto, pero no tiene por qué serlo. En la edición es tu referencia y tu red de seguridad.
Cobertura (coverage): Todos los planos adicionales (plano maestro, primeros planos, contraplanos, planos detalle) que se filman para poder editar una escena de distintas maneras. Una cobertura escasa reduce tus opciones en la edición y hace difícil unir algunos momentos.

Encuadre y tipos de plano

Plano general (wide shot): Muestra el lugar y dónde está el personaje dentro de él. Es el plano con el que el público entiende dónde está.
Plano entero (full shot): El personaje está en cuadro de la cabeza a los pies. Se ven el lenguaje corporal y la manera de caminar.
Plano medio (medium shot): El personaje se encuadra de la cintura para arriba. El tamaño intermedio que lleva juntos el habla y el movimiento de las manos.
Plano medio corto (medium close-up): Del pecho para arriba. El plano más usado en las escenas de diálogo.
Primer plano (close-up): La cara llena el cuadro. Lleva la reacción; por lo general se guarda para el momento en que la escena da un giro, en lugar de gastarlo en cada línea.
Plano detalle (inserto): Un solo detalle: una mano, un reloj, una llave. Fija la atención del público en esa única cosa.
Plano sobre el hombro (over the shoulder, OTS): Muestra a quien habla por encima del hombro de la persona que tiene enfrente. La posición estándar para una escena entre dos personas.
Aire y aire de mirada (headroom y lead room): El espacio que se deja sobre la cabeza y en la dirección hacia donde mira el personaje. Si es poco, el cuadro se siente apretado; si es demasiado, el personaje se hunde hacia la parte baja del cuadro.

Ángulo y movimiento de cámara

Contrapicado: La cámara se coloca por debajo de los ojos y agranda al personaje. Según el contexto puede leerse como fuerza o dominio; por sí solo no garantiza ninguno de los dos.
Picado: La cámara se coloca por encima de los ojos y empequeñece al personaje. Según el contexto puede sentirse vulnerable o bajo presión.
Plano cenital (vista de pájaro): Mirar directo hacia abajo desde arriba. Convierte la acción en un mapa; puede sacar al público de la acción y ponerlo afuera de ella.
Plano holandés (ángulo aberrante): La cámara está inclinada de lado. Puede crear una sensación de desequilibrio o inquietud; úsalo con moderación.
Paneo (panorámica horizontal): La cámara se queda en un lugar y gira en horizontal. Sigue una mirada o recorre un lugar.
Tilt (panorámica vertical): La cámara se queda en un lugar y gira en vertical. Construye una relación de arriba abajo.
Travelling (tracking shot): Un movimiento en el que la cámara cambia físicamente de posición: sobre un riel, un dolly, un vehículo, una Steadicam, un gimbal o en mano. El “plano de dolly” es un tipo de travelling: el que se hace sobre una plataforma con ruedas; un seguimiento hecho con la cámara al hombro no es un plano de dolly.
Steadicam / gimbal: Dos sistemas de estabilización distintos que reducen la vibración que produce caminar: la Steadicam es mecánica (contrapeso y resortes), el gimbal es motorizado. Los dos facilitan los planos largos de seguimiento.
Zoom: La cámara se queda quieta y cambia el ángulo de visión del lente: cambia el encuadre, pero no la perspectiva. No es lo mismo que un travelling: ahí cambia la posición de la cámara y, por lo tanto, también la perspectiva.
Efecto vértigo (dolly zoom): La cámara se desplaza en un sentido mientras el lente hace zoom en el sentido contrario. El sujeto conserva su tamaño mientras la perspectiva detrás de él se transforma: el plano de la escalera en “Vértigo”.

Luz y lentes

Iluminación de tres puntos: La luz principal (key light) es la fuente principal, la luz de relleno (fill light) suaviza la sombra y el contraluz (back light o rim light) separa al personaje del fondo. Es el esqueleto de la mayoría de las configuraciones.
Iluminación en clave baja / clave alta (low-key / high-key): En la clave baja dominan las sombras y el contraste es alto (thrillers, cine negro). En la clave alta el tono general es luminoso, las sombras suaves y el contraste bajo (comedia, vida cotidiana).
Luz práctica (practical): Una fuente de luz real que se ve en el cuadro: una lámpara de escritorio, una pantalla, una vela. Justifica la luz y hace creíble la escena.
Hora dorada (golden hour): El lapso corto de luz suave justo después del amanecer y justo antes del atardecer. No dura mucho; el plano se planea en torno a ella, no al revés.
Profundidad de campo: El rango de profundidad del cuadro que se mantiene nítido. Cuando es poca, el fondo queda fuera de foco y la atención va al sujeto; cuando es mucha, una parte mayor de la profundidad de la imagen se mantiene aceptablemente nítida.
Cambio de foco (rack focus): Pasar el foco de un sujeto a otro. Mueve la atención dentro de un mismo plano, sin corte.
Distancia focal: Junto con el tamaño del sensor, define el ángulo de visión del lente y cuánto se amplía la imagen. Lo que define directamente la perspectiva es la posición de la cámara: si te acercas con un lente gran angular para mantener al sujeto del mismo tamaño, la profundidad se ve exagerada; si te alejas con un teleobjetivo, las capas se ven comprimidas.

Edición y continuidad

Regla de los 180 grados (eje de acción): La cámara se queda de un solo lado de la línea imaginaria entre dos personajes; si la cruzas, en la edición puede parecer que los personajes cambian de lugar. No es una prohibición absoluta: puedes cruzarla con un movimiento de cámara, con un plano neutro sobre la línea o volviendo a presentar el espacio.
Regla de los 30 grados: Si cortas entre dos planos del mismo sujeto, la cámara debe moverse al menos 30 grados. No es una ley física; es un principio clásico del montaje de continuidad que evita un salto visible en el corte.
Continuidad (raccord): Mantener coherentes los objetos, el vestuario, la luz, las direcciones de mirada y el movimiento de un plano al siguiente. La persona de continuidad (script) lleva el control general; la continuidad es responsabilidad compartida de todos los departamentos.
Plano–contraplano: Alternar planos de quien habla y de quien escucha. La estructura básica de una escena de diálogo; muy a menudo es el plano de quien escucha el que sostiene la escena.
Corte: Dos planos unidos directamente, sin transición. La transición por defecto en la edición.
Encadenado (fundido encadenado): Un plano desaparece mientras aparece el siguiente. Indica un salto en el tiempo o un vínculo entre dos imágenes.
Fundido (de entrada / de salida): La imagen que se va a negro o que se abre desde negro. Se lee como el cierre o la apertura de una parte.
Corte de salto (jump cut): Un corte entre dos planos con encuadre parecido que rompe a propósito la continuidad de tiempo o espacio. Puede crear una sensación de velocidad, inquietud o fragmentación.
Corte por analogía (match cut): Un corte en el que dos planos coinciden en forma, movimiento o sentido. La transición de “2001: Odisea del espacio” en la que el hueso se convierte en una nave espacial.
Montaje alterno (montaje paralelo): Ir y venir entre dos o más líneas de acción. Las acciones pueden ocurrir al mismo tiempo, o la alternancia puede plantear una comparación temática entre ellas.
Elipsis: La historia se salta un lapso de tiempo o de acción sin mostrarlo. No mostrar a alguien en el camino después de que sale por la puerta y cortar directo a cuando llega.

Sonido y set

Sonido diegético / extradiegético: El sonido diegético viene de dentro del mundo de la historia: el habla, los pasos, un radio que encienden los personajes. El sonido extradiegético viene de fuera de ese mundo y los personajes no lo oyen: la música de la película, la voz de un narrador externo a la historia.
Ambiente de sala (room tone): El sonido ambiental natural de una locación, grabado sin diálogo y sin acción notoria. En la edición mantiene continuo el sonido entre planos; sin él, los cambios en el fondo pueden delatar los cortes.
ADR (doblaje de diálogos): Volver a grabar líneas en un estudio después del rodaje (automated dialogue replacement). Se usa cuando el sonido del set no sirve.
Foley (efectos de sala): Recrear en un estudio sonidos cotidianos: pasos, puertas, telas. De ahí viene la textura sonora de la película.
Claqueta (slate): La tablilla que lleva los números de plano y de toma y que permite sincronizar sonido e imagen en la edición. El “clac” es el punto de sincronía.
Marcaje (blocking): Definir antes de filmar dónde se colocan los actores y cómo se mueven en la locación. La cámara, el encuadre y la iluminación se fijan junto con él.
Hoja de llamado (call sheet): El plan del día: quién tiene que estar dónde y a qué hora, qué escenas se filman, el clima y los números de emergencia.
Etalonaje (color grading) y corrección de color: Dos trabajos distintos: la corrección de color equilibra técnicamente las imágenes (exposición, balance de blancos, coherencia entre planos). Después, el etalonaje construye el color creativo, el contraste y el aspecto general de la película.

Mal / Bien

Sin los términos

“Aquí vamos a sacar algo más cerquita y luego uno abierto.” — Sin el nombre del plano, tres personas imaginan tres encuadres distintos; el día se va en prueba y error.

Con los términos

“Plano medio corto, ángulo normal, cámara fija. Después un plano detalle de la mano que aprieta la llave.” — El director de fotografía y el actor escuchan la misma imagen.

Preguntas frecuentes

¿Hay que memorizar estos términos para ser director?

No memorizarlos: usarlos. Un término no es una demostración de conocimiento; es el lenguaje compartido que construyes con tu equipo, para que lo que describes tenga un solo significado. Haz un cortometraje y la mitad se te quedan solos.

¿Un zoom no es lo mismo que un travelling?

No. En un zoom la cámara se queda quieta; cambian el ángulo de visión y el encuadre, la perspectiva no. En un travelling cambia la posición de la cámara, así que también cambia la relación de perspectiva entre el primer término y el fondo: el público siente que se mueve por el espacio.

¿Romper la regla de los 180 grados es un error?

Romperla sin saberlo trae problemas: el público puede pensar que los personajes cambiaron de lugar. Pero cruzar la línea no está prohibido: se cruza con un movimiento de cámara, con un plano neutro sobre la línea o volviendo a presentar el espacio. Lo que hace la diferencia es saber que la regla está ahí.

¿Se escriben términos de cámara en el guion?

En un guion escrito por iniciativa propia, sin encargo (spec script), por lo general se usan solo cuando de verdad hacen falta para contar la historia; no hay una regla que diga “nunca”. El guion lleva la información dramática que el público va a ver y oír, y los tipos de plano, los lentes y los movimientos de cámara detallados se dejan casi siempre para la lista de planos y el storyboard. Un guion técnico puede llevar muchas más indicaciones de cámara.

Empieza las lecciones: aprende a escribir escenas que un equipo pueda filmar

Las lecciones y Senaryum están por ahora en inglés.

Contenido relacionado

Actualizado: 19 de octubre de 2026